7/6/17

Taller de Arte. Hospital de Día.





Taller de Arte del Servicio de Hospital de Día 

del Hospital Nacional "Profesor Alejandro Posadas"



Coordinadora: Verónica D'Agostino

www.veronicadagostino.com.ar

19/9/16

Jornada Intensiva: "Arte Terapia: disparadores creativos"

Coordinado por:
Verónica D’Agostino
En la Fundación Carl G. Jung de Psicología Analítica
18 de septiembre de 2016















2/6/16

Sobre la inutilidad del arte - Paul Auster


No sé por qué me dedico a esto. Si lo supiera, probablemente no tendría necesidad de hacerlo. Lo único que puedo decir, y de eso estoy completamente seguro, es que he sentido tal necesidad desde los primeros tiempos de mi adolescencia. Me refiero a escribir, y en especial a la escritura como medio para narrar historias, relatos imaginarios que nunca han sucedido en eso que denominamos mundo real. Sin duda es una extraña manera de pasarse la vida: encerrado en una habitación con la pluma en la mano, hora tras hora, día tras día, año tras año, esforzándose por llenar unas cuartillas de palabras con objeto de dar vida a lo que no existe…, salvo en la propia imaginación. ¿Y por qué se empeñaría alguien en hacer una cosa así? La única respuesta que se me ha ocurrido alguna vez es la siguiente: porque no tiene más remedio, porque no puede hacer otra cosa.
Esa necesidad de hacer, de crear, de inventar es sin duda un impulso humano fundamental. Pero ¿con qué objeto? ¿Qué sentido tiene el arte, y en particular el arte de narrar, en lo que llamamos mundo real? Ninguno que se me ocurra; al menos desde el punto de vista práctico. Un libro nunca ha alimentado el estómago de un niño hambriento. Un libro nunca ha impedido que la bala penetre en el cuerpo de la víctima. Un libro nunca ha evitado que una bomba caiga sobre civiles inocentes en el fragor de una guerra. Hay quien cree que una apreciación entusiasta del arte puede hacernos realmente mejores: más justos, más decentes, más sensibles, más comprensivos. Y quizá sea cierto; en algunos casos, raros y aislados. Pero no olvidemos que Hitler empezó siendo artista. Los tiranos y dictadores leen novelas. Los asesinos leen literatura en la cárcel. ¿Y quién puede decir que no disfrutan de los libros tanto como el que más?
En otras palabras, el arte es inútil, al menos comparado con, digamos, el trabajo de un fontanero, un médico o un maquinista. Pero ¿qué tiene de malo la inutilidad? ¿Acaso la falta de sentido práctico supone que los libros, los cuadros y los cuartetos de cuerda son una pura y simple pérdida de tiempo? Muchos lo creen. Pero yo sostengo que el valor del arte reside en su misma inutilidad; que la creación de una obra de arte es lo que nos distingue de las demás criaturas que pueblan este planeta, y lo que nos define, en lo esencial, como seres humanos. Hacer algo por puro placer, por la gracia de hacerlo. Piénsese en el esfuerzo que supone, en las largas horas de práctica y disciplina que se necesitan para ser un consumado pianista o bailarín. Todo ese trabajo y sufrimiento, los sacrificios realizados para lograr algo que es total y absolutamente… inútil.
La narrativa, sin embargo, se halla en una esfera un tanto diferente de las demás artes. Su medio es el lenguaje, y el lenguaje es algo que compartimos con los demás, común a todos nosotros. En cuanto aprendemos a hablar, empezamos a sentir avidez por los relatos. Los que seamos capaces de rememorar nuestra infancia recordaremos el ansia con que saboreábamos el cuento que nos contaban en la cama, el momento en que nuestro padre, o nuestra madre, se sentaba en la penumbra junto a nosotros con un libro y nos leía un cuento de hadas. Los que somos padres no tendremos dificultad en evocar la embelesada atención en los ojos de nuestros hijos cuando les leíamos un cuento. ¿A qué se debe ese ferviente deseo de escuchar? Los cuentos de hadas suelen ser crueles y violentos, describen decapitaciones, canibalismo, transformaciones grotescas y encantamientos maléficos. Cualquiera pensaría que esos elementos llenarían de espanto a un crío; pero lo que el niño experimenta a través de esos cuentos es precisamente un encuentro fortuito con sus propios miedos y angustias interiores, en un entorno en el que está perfectamente a salvo y protegido. Tal es la magia de los relatos: pueden transportarnos a las profundidades del infierno, pero en realidad son inofensivos.
Nos hacemos mayores, pero no cambiamos. Nos volvemos más refinados, pero en el fondo seguimos siendo como cuando éramos pequeños, criaturas que esperan ansiosamente que les cuenten otra historia, y la siguiente, y otra más. Durante años, en todos los países del mundo occidental, se han publicado numerosos artículos que lamentan el hecho de que se leen cada vez menos libros, de que hemos entrado en lo que algunos llaman la "era posliteraria". Puede que sea cierto, pero de todos modos no ha disminuido por eso la universal avidez por el relato. Al fin y al cabo, la novela no es el único venero de historias. El cine, la televisión y hasta los tebeos producen obras de ficción en cantidades industriales, y el público continúa tragándoselas con gran pasión. Ello se debe a la necesidad de historias que tiene el ser humano. Las necesita casi tanto como el comer, y sea cual sea la forma en que se presenten -en la página impresa o en la pantalla de televisión-, resultaría imposible imaginar la vida sin ellas.
De todos modos, en lo que respecta al estado de la novela, al futuro de la novela, me siento bastante optimista. Hablar de cantidad no sirve de nada cuando nos referimos a los libros; porque no hay más que un lector, sólo un lector en todas y cada una de las veces. Lo que explica el particular influjo de la novela, y por qué, en mi opinión, nunca desaparecerá como forma literaria. La novela es una colaboración a partes iguales entre el escritor y el lector, y constituye el único lugar del mundo donde dos extraños pueden encontrarse en condiciones de absoluta intimidad. Me he pasado la vida entablando conversación con gente que nunca he visto, con personas que jamás conoceré, y así espero seguir hasta el día en que exhale mi último aliento.
Nunca he querido trabajar en otra cosa.

PAUL AUSTER (1947- )Paul Benjamin Auster nació en Newark, estado de New Jersey (Estados Unidos), el 3 de febrero de 1947. Escritorguionista y director de cine estadounidensePremio Príncipe de Asturias de las Letras 2006.
Auster se revelaría internacionalmente como escritor al publicar con éxito “La Trilogía De Nueva York”.Este título engloba una tríada de novelas de intriga conformadas por “La Ciudad De Cristal” (1985), “Fantasma” (1986) y “La Habitación Cerrada” (1986).
Paul Auster destaca como un plausible narrador de historias laberínticas y ensoñadoras en base a la identidad personal, sitas en ambientes cotidianos y desarrolladas en situaciones con incrustación de aspectos mágicos en una realidad con querencia por la intriga y el misterio, el azar, la circunstancia y el destino.

Fuentes:

http://cultura.elpais.com/cultura/2006/10/20/actualidad/1161295209_850215.html

http://www.alohacriticon.com/literatura/escritores/paul-auster/

https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Auster

2/5/16

Arte y Neurología - Proyecto "Persona"


En enero del año 2015 el médico navarro especialista en neurología y experto en neuro-rehabilitación, Manuel Murie Fernandez plantea una colaboración con el artista navarro Mikel Belascoain. La idea original consiste en poner en diálogo las disciplinas de arte y neurología, basando el planteamiento en que las personas somos capaces de evolucionar.

Esta idea inspira al artista para proponer un proyecto holístico de homenaje a la persona y su capacidad de evolución.

El artista Mikel Belascoain, se ha interesado por el cerebro y la neurología y ha vivido un proceso de toma de contacto empático con 5 pacientes neurológicos, sus familias y sus contextos particulares. Todos ellos con distintas enfermedades neurológicas graves. Persona, es tras Ceremonia (2014) el segundo de los proyectos de latrilogía de arte nuevo concebida por el artista navarro y que suponen una reflexión acerca del vitalismo.


La muestra presenta dos elementos principales.

El primero, una obra pictórica de 7 metros de altura, compuesta por 66 lienzos de distintos tamaños ensamblados entre sí, sobre una estructura de hierro. Esta obra de concepción monumental constituye un imaginario pictórico y colorista acerca de la Persona. Se compone de 14 imágenes principales y una serie de símbolos y elementos inspirados por las personas con las que el artista ha tomado contacto. Otras influencias como el cineasta sueco Ingmar Bergman o el pintor malagueño Pablo Picasso han influido en la concepción de la obra.

La obra pictórica se nutre de distintos conceptos extraídos de los encuentros del artista con los pacientes. La empatía, el rescate emocional, la fe y la razón, el ego o la imaginación como forma de evasión. También conceptos y reflexiones clásicas como la tragedia, o la victoria colectiva inspiran al artista una concepción contemporánea de los mismos. La obra combina elementos figurativos con abstractos y destaca el uso del color, Adicionalmente otros elementos escultóricos como el hierro, completan una obra expresionista, simbólica y conceptual acerca de la Persona.

El segundo de los elementos principales de este proyecto es la obra cinematográfica y documental del mismo nombre que ha sido trabajada en paralelo a la creación de la obra pictórica. El planteamiento busca la esencia del cine documental. El trabajo de autor estrecho y conjunto con el fotógrafo Miguel Goñi Aguinaga, director de fotografía del proyecto, que imprime una narrativa fotográfica de autor y que ha recorrido conjuntamente con el artista el camino durante todo el proceso de inspiración con los pacientes. El documental compuesto por 6 historias, se presenta como una obra en proceso de evolución

El documental se completa con una banda sonora original compuesta para el proyecto e inspirada en las historias. Ha sido compuesta por los músicos Cristina Martínez Lana, Jon Ulecia y Daniel Ulecia y parte de ella será interpretada en directo en las exhibiciones.

La primera exhibición será en Pamplona. La obra quedará expuesta en el Palacio de Congresos de Navarra, Baluarte y se plantea continuar su exposición en al menos8 ciudades españolas y dos internacionales.

El proyecto ha contado con una estrecha colaboración del Centro Neurológico de Atención Integral. También cuenta con el apoyo institucional del Gobierno de Navarra. Las bodegas riojanas López de Heredia – Viña Tondonia, localizadas en Haro, han manifestado su intención de exponer la obra durante 3 meses en La Rioja que será la segunda de las localizaciones expositivas en el mes de Junio. El proyecto en la actualidad se encuentra abierto a nuevas colaboraciones tanto para su desarrollo como para su exhibición.

Conocé más ingresando a la página oficial: http://www.persona.team/

12/3/16

Bethlem Royal Hospital


El Hospital Real de Bethlem (Beckenham, Bromley, Londres) fue el primer hospital psiquiátrico conocido en Europa. Fundado en 1247, y aunque ya no se encuentra en su ubicación original, se reconoce como la primera y más antigua institución especializada en enfermos mentales.
Actualmente posee el "Museo de la Mente" que reúne las obras de arte de los pacientes que pasaron por dicha institución.
Link para acceder a la galería de obras:

14/1/16

ARTE y BAJA VISIÓN: Obra de Guillermo Ortiz - (2015)

ARTE y BAJA VISIÓN: Obra de Guillermo Ortiz - (2015): Contacto:  grilliguitar@gmail.com http://arteybajavision.blogspot.com.ar/ https://www.facebook.com/ArtistasDiscapacitadosVisuales/ ...

6/1/16

El arte terapéutico (ARTÍCULO)

FUENTE / ARTÍCULO COMPLETO: 



El Artista terapeuta es una profesión moderna donde un artista aprende ciertas disciplinas del ámbito de la psicología y realiza talleres centrados en desbloquear la expresión y centrados en hacer que las personas se sientan mejor. Normalmente suelen ser artistas plásticos, músicos, actores, cómicos y bailarines. Aunque todas las formas artísticas y creativas pueden colaborar. Incluso los escritores, puesto que escribir un libro a veces también ha sido una terapia para su autor. En resumen, la creación de una obra es terapéutica, vuelve a centrarnos en nuestro ser.    


Objetivos del arte terapéutico

Aunque el principal objetivo en el Art Therapy es que la persona se sienta mejor, yo creo que también destacan otros tres objetivos:
1- El primer objetivo que veo en el Arte terapéutico es la creación de una experiencia vital y artística. Al hacer una actividad creativa la persona se concentra y activa sus capacidades mentales creativas. Hay personas que nunca han tenido una experiencia artística, nunca han realizado una actividad pictórica, por ejemplo. Entrar en un taller preparado para ello es un punto fundamental para poder iniciar el tratamiento. Además, la toma de contacto con los materiales y útiles artísticos es física y provoca un impulso, es decir, aporta energía a la persona.
2 – El segundo objetivo fundamental es la exteriorización de sentimientos, sensaciones, ideas y otros elementos abstractos que forman parte de nuestra psique. Para realizar esta exteriorización, es necesario que la persona primero realice una mirada hacia su propio ser, lo que siente dentro. La persona debe ser capaz de reconocer dentro de sí mismo un contenido o mensaje, a veces consciente, otras subconsciente. Ese mensaje es el que puede ser exteriorizado, incluso del modo más abstracto.
3 – Un tercer objetivo en el arte terapéutico es la reflexión sobre la obra creada por parte del propio creador. Contemplar la propia obra y comprender su propia creatividad. Junto a esta comprensión de sí mismo, se debe generar una expansión del ser, abrirse a nuevas ideas y sentimientos, ampliar su círculo vital y así aceptar nuevas perspectivas. La persona se supera a si misma y a sus circunstancias.

Salir de la desarmonía para lograr la armonía.

La salud es la armonía, la enfermedad en una completa desarmonía. Para lograr armonizar de nuevo nuestro ser, todas las técnicas son buenas, y las técnicas artísticas se vuelven más valiosas que nunca.
El arte terapéutico solo puede comenzar cuando la persona quiere recobrar su armonía interior, y para ello acepta realizar la terapia, aprenderla y lograr sus objetivos.
La desarmonía es un Ser roto en mil pedazos. La armonía es la unión de todas las partes que forman un Ser. Estas partes se unen y relacionan entre sí gracias a una mirada de conjunto, a una comprensión y a una toma de conciencia: El propio Ser, quienes somos.
Se debe mirar desde fuera para ver el conjunto y poder armonizarlo. Salir de un punto concreto para situarse en un conjunto capaz de volver a unirse y ver que realmente somos una armonía única e irrepetible.
El pegamento siempre es el mismo, el amor. Si no existe amor no existe unión del ser, no tiene sentido la vida (no se puede sentir), no se puede crear la armonía.
En este aspecto, las técnicas de meditación van por el mismo camino y son igual de sanadoras.

The Estate, El estado, de William Kurelek. Cortesía del Wynick/Tuck Gallery, Toronto, Canada.

La clave de la terapia con las artes

La creatividad forma parte de la esencia humana, de lo que nos diferencia de los animales y plantas.
Además, la creatividad tiene el poder de generar la visualización, es decir, gracias a ella podemos soñar, recordar, relacionar ideas, sueños y recuerdos, y también, gracias a la imaginación damos forma a lo invisible, a lo desconocido: los miedos, los deseos, el amor…
Cuando una persona aprecia su propia creatividad está apreciando y reconociendo una parte de su ser, y así, está aumentando su propia autoestima y auto-conocimiento. Cuando la persona tiene más autoestima está reforzándose a sí misma y haciéndose más fuerte frente a los retos de la vida. Con la fuerza de espíritu es con la que un ser humano puede mantener su salud, física y mental frente a todo contratiempo. Es simplemente por esta razón que el arte puede ser una auténtica medicina, pues nos pone en contacto con nuestra esencia.

Listado de personas que pueden beneficiarse del arte terapéutico:

  • Personas con depresión y/o ansiedad. También el stress y otros problemas emocionales.
  • Personas con minusvalías.
  • Personas que han sufrido un trauma o shock.
  • Personas que han estado en una guerra o conflicto armando.
  • Personas maltratadas o víctimas de violencia doméstica
  • Enfermos de cáncer u otras enfermedades que obligan a permanecer mucho tiempo en el hospital.
  • Personas que por el motivo que sea, se encuentran desubicados, perdidos en la vida, enfadados contra la sociedad, con problemas psicológicos,
  • Personas con problemas de comunicación, problemas interpersonales (comunicación con los demás) e intropersonales (comunicación consigo mismo).

El valor principal del Arte Terapéuta

El artista – terapeuta ejerce una práctica artística centrada en ayudar a los que sufren. El objetivo del arte terapeuta es ayudar a las personas a cambiar su forma de ver la vida. No podemos cambiar la vida pero si podemos cambiar nuestra actitud frente a los problemas y el sufrimiento que forman parte de la vida.
Los arte terapeutas tipo Payaso se centran más en la terapia con la risa, como valor vital principal. La risa y lo cómico para abrir corazones hacia lo bueno que existe en la vida.
Las artes visuales tienen como uno de los valores más importantes la creación y la belleza. En mi opinión, cuando una persona busca y logra expresar la belleza significa que su corazón y su mente están en armonía, en paz. La belleza en este caso es sinónimo de lo bueno que existe en la vida, por muy elemental que sea.
Las artes físicas como el teatro y la danza son excelentes para mover la energía interna, con la cual el paciente puede volver a reconstruirse.
En definitiva, la voluntad del artista terapeuta puede lograr que la voluntad del propio paciente empiece a colaborar con su recuperación.

Artistas terapeutas
En 1938 el artista Adrian Hill, excombatiente de la 1º guerra mundial y enfermo de tuberculosis, vió que al realizar dibujos se sentía mejor de su enfermedad. Este artista acuñó el término Art Therapy en 1942 y promovió la creación de talleres artísticos para los enfermos de larga duración en hospitales.
En 1946, otro artista inglés, Edward Adamson conoció a Adrian Hill y se unió a él en su fomento de este tipo de terapia con artes en los hospitales, creando además una gran colección de obras: La colección Adamson.
La artista terapeutica Deborah Koff-Chapin desarrollo una técnica llamada Dibujo de contacto (Touch drawing), donde las manos crean las formas rozando el papel, que al estar tocando una superficie pintada se va manchando conforme a la presión que hagan las manos. Al levantar el papel de la superficie se puede ver la obra. Touch Drawing

Pintura de Deborah Koff-Chapin



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20/11/15

Arte y resistencia en el gueto

La historia de los chicos.
Dibujos de los niños del gueto de Terezín 1943-1944


Cuando Friedl Dicker Brandeis fue obligada a ingresar en 1942 a Terezín, el gueto de la ex Checoslovaquia, llevó dos valijas con materiales de pintura y libros de arte. Formada en la Bauhaus junto a Kandinsky y Paul Klee, la artista y pedagoga austríaca no se resignó a las condiciones impuestas por los nazis y dio clases clandestinas a los niños en cautiverio durante dos años. Terezín fue un lugar de encierro para la población, en la que confluyeron muchos intelectuales y artistas; y fue abierto a los inspectores de la Cruz Roja, para lo cual los nazis maquillaron el horror. Pero las cifras son implacables: basta con mencionar que de los quince mil niños que vivieron allí del ‘41 al ‘45, sobrevivieron sólo cien. Poco antes de ser llevada a Auschwitz, Brandeis reunió la producción de sus alumnos y la escondió en esas mismas maletas que trajo consigo. Más de cuatro mil dibujos fueron entregados años más tarde al Museo Judío de Praga, la institución que actualmente los exhibe y custodia. Por primera vez, parte de este valiosísimo material, que ya recorrió Europa, Asia y Estados Unidos, llega a Buenos Aires en el marco de la muestra La historia de los chicos. Dibujos en el gueto de Terezín 1943-1945. La misma se podrá conocer desde hoy a las 19, en la Usina del Arte del barrio de La Boca. Esta exhibición es el resultado del esfuerzo de Luciana Zylberberg, licenciada en Artes de la UBA, productora cultural y agenta de prensa. En un viaje a Europa, la argentina se conmovió con los dibujos que vio en ese museo y desde entonces no dejó de soñar con traerlos a su ciudad. Zylberberg no se conformó con exponer cuarenta dibujos que integran la colección permanente del museo, sino que además ideó un ciclo de talleres de arte para chicos y adolescentes coordinado por Milo Lockett, Rep, Marcos López y Pedro Roth; una serie de charlas con sobrevivientes del Holocausto y un ciclo de películas sobre la infancia en situaciones extremas. Cuatro tipo de actividades que confluyen en el evento multidisciplinario Voces y miradas. Arte y resistencia en el gueto, que desde hoy y hasta el 20 de diciembre se desarrollará con entrada gratuita en la Usina del Arte y en el Museo del Cine contiguo.

“Fue en 1998, yo tenía 22 años y estaba de viaje con amigas. Cuando visité el Museo Judío de Praga me quedé horas, muy conmovida por todo. Las sinagogas que lo integran, el cementerio, el memorial con los nombres de los muertos, los dibujos de los chicos que estaban dentro de unas vitrinas muy antiguas. Un impacto muy fuerte que al día de hoy me cuesta poner en palabras. Creo que tiene que ver con la mirada de los niños que aparece en esos dibujos. Una mirada sin filtro, sin estilización. El niño es niño y mezcla todo: el horror pero también sus deseos, su vitalidad, sus anhelos. Es un punto de vista diferente, un testimonio virgen sobre lo ocurrido”, comenta Zylberberg a Página/12. En este sentido, la productora rescata un dibujo en particular: el que muestra a una familia siendo deportada y apuntada y, a un costado, un arco iris lleno de vida y de color. Al volver a Buenos Aires se dio cuenta de que aquí poco se sabía sobre Terezín. Entró en contacto con la curadora de la muestra y en forma intermitente mantuvo la comunicación hasta que hace algunos años, al enterarse de que el museo había editado facsímiles para estimular la difusión de los dibujos en otros países, retomó la idea de montar la muestra. Presentó el proyecto a Mecenazgo Cultural, fue aprobado y con la ayuda otorgada (a través de Itaú Cultural) pudo financiar la exhibición curada por el Museo de Praga y formada por cuarenta reproducciones divididas en ocho capítulos: La vida antes y después del 15 de marzo de 1939, Lo que sucedió después, Transportes, El gueto de Terezín, Propaganda y realidad, La vida en los dormitorios de los niños, El arte como estrategia de supervivencia y Transporte hacia la oscuridad. Imposible no estremecerse frente a esos dibujos hechos con carbonillas, lápices, acuarelas o collages, donde la inocencia y la belleza se codean con el horror.


Por primera vez se exhibirá en Buenos Aires la muestra de facsímiles de dibujos que realizaron niños que estuvieron cautivos durante el Holocausto en el Gueto de Terezín (República Checa). Este material integra la colección permanente del Museo Judío de Praga. Los dibujos fueron producidos en clases secretas que la artista de la Bauhaus Friedl Dicker Brandejs brindó a los niños confinados en el gueto. Originalmente ciudad y fortaleza militar de Checoslovaquia, Terezín fue durante la Segunda Guerra Mundial transformada en un gueto “modelo” de carácter transitorio; desde aquí los prisioneros eran deportados a los campos de concentración. Entre su apertura (Noviembre de 1941) y su cierre (Abril de 1945) unos 15.000 niños habitaron el gueto. Ellos fueron separados de sus padres y familia y ubicados en albergues o pabellones juveniles. Sólo cien regresaron con vida. Terezín fue el único gueto que abrió sus puertas a una inspección de la Cruz Roja (en Julio de 1944), convirtiéndose para esa ocasión en una suerte de “albergue modelo”. Aunque estaba prohibido, en las barracas infantiles se brindaban clases clandestinas que ayudaron a fortalecer la moral de supervivencia. Las mismas estuvieron a cargo de Friedl Dicker-Brandeis, artista plástica que provenía de la escuela de la Bauhaus. En una muestra organizada en Tokio, el rabino Abraham Cooper (decano asociado del Centro Simon Wiesenthal) dijo sobre la artista “… fue una persona que utilizó su arte para darle fuerzas a la humanidad, cuando las bases de la civilización estaban amenazadas; que utilizó sus habilidades artísticas para brindarle esperanza a los niños, en una época en la que todo lo que ellos presenciaban y experimentaban era deshumanización y muerte”. Los dibujos fueron realizados por chicos de entre ocho y quince años aproximadamente. Los materiales empleados fueron lápiz negro, crayones, pasteles, carbón, tiza, acuarelas y con la técnica del collage. Se observa claramente que muchos fueron realizados sobre pedazos de formularios, papeles de embalaje o diarios. Se conservan alrededor de 6.000 dibujos, algunos de los cuales se exhiben en el Museo Judío de Praga y han sido compilados en el libro “No he visto mariposas por aquí” que reúne además poemas realizados en el mismo marco. Este valiosísimo material ha sido exhibido en diversos museos e instituciones en Europa, Asia y Estados Unidos. La muestra llega a nuestro país gracias a la ayuda de la Embajada de República Checa. Los niños de Terezín dan cuenta de su existencia al plasmar sus sueños, anhelos, recuerdos y miedos en los retazos de papeles que su maestra logra conseguirles. En cada dibujo hay implícita una negativa a desaparecer, una resistencia a los mandatos del sistema que los aísla, que los torna ‘invisibles’ para el resto del mundo. Es por medio de la expresión artística que estos chicos dejan constancia de su existencia e identidad.

Fuente: http://www.usinadelarte.org/agenda/muestra-voces-del-otro-lado-del-muro/

23/9/15

VERÒNICA D'AGOSTINO ARTE TERAPIA y MANDALAS 23/2015





Entrevista sobre Arte Terapia, Mandalas y arte para personas con baja visión que me realizó Mariel Albó para el programa "Incluite en el Arte" en la radio de la Biblioteca del Congreso de la Nación. 



Muchas gracias !!!





6/9/15

El despertar de la criada, de Eduardo Sívori





"Un joven pintor envía desde Europa un desnudo que muestra a una trabajadora doméstica en su cuarto por la mañana, al levantarse. El cuadro ha sido aceptado en el salón de París de ese año, 1877. Pero cuando es expuesto en Buenos Aires se produce un escándalo. La crítica no puede entender cómo "un pintor que se ve que sabe pintar, elige temas tan asquerosos". La historia de esta obra habla, entre otras cosas, del cambio en las representaciones del cuerpo femenino, del poder intemporal de algunas imágenes y de la particular importancia que pueden tener algunas decisiones en la vida de un artista."

FUENTE: https://www.youtube.com/watch?v=IUorJZJ-j68&list=PL7qyo-eRpAr2M2mF9O2bNxkAYLaQt8HZt&index=5